Pompeii es más que solo ruinas; es una instantánea congelada de la ambición romana. El Templo de la Fortuna Augusta es un testimonio de la lealtad política y la astucia de la élite local. No malgastes tu limitado tiempo de vacaciones navegando entre las multitudes a solas: comprende la verdadera historia detrás de la piedra.

Un monumento a la ambición imperial

Situado cerca del Foro, este pequeño pero significativo templo se encuentra sobre un podio, antiguamente adornado con columnas y capiteles de mármol. A diferencia de los lugares religiosos más antiguos, el Templo de la Fortuna Augusta no era solo para la adoración; era una declaración política calculada.

Se dedicaba a los rituales en honor a Emperador Augusto (63 a. C.–14 d. C.) y sirvió como herramienta de propaganda para la familia imperial. Una inscripción revela al constructor: Marco Tulio, hijo de Marco y “duumvir” (magistrado) de Pompeya.

La estrategia de Marco Tulio

Marco Tulio construyó este templo en su propio terreno y a sus expensas. Esto no fue meramente caridad; fue un movimiento estratégico para consolidar su estatus como fiel partidario del emperador. Al alinearse con el culto imperial, aseguró su posición dentro de la élite local.

Guardianes del Culto

Curiosamente, el culto a Fortuna Augusta era administrado por un colegio de esclavos y libertos (liberti). Estos grupos eran ferozmente leales al emperador, ya que él era el máximo garante de sus derechos y sus crecientes ambiciones sociales. Si bien el revestimiento de mármol fue despojado poco después de la erupción, sabemos que la cella alguna vez albergo la estatua de Fortuna, mientras que las hornacinas contenían estatuas de la familia imperial.

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Di Mentnafunangann – Obra propia, CC BY-SA 3.0, Enlace

Tras recibir el Premio Internacional Cityscape por su restauración estratégica del paisaje de Pompeya, el proyecto “Anillo Verde alrededor de la Pompeya Antigua” ha obtenido uno de los reconocimientos más prestigiosos de la arquitectura del paisaje: el Premio Profesional ASLA 2024. Esto marca la primera vez que un estudio italiano, Studio Bellesi Giuntoli, recibe este honor. El premio fue entregado hoy en Washington bajo la coordinación del Parque Arqueológico de Pompeya, dirigido por Gabriel Zuchtriegel.

El jurado de la ASLA elogió el proyecto con la siguiente declaración: “Un enfoque sensible e interesante sobre cómo proteger y regular un sitio patrimonial mediante el diseño paisajístico”. Este reconocimiento destaca el enfoque único del proyecto para preservar y realzar un sitio histórico a través de una planificación paisajística reflexiva.

Una restauración paisajística visionaria para Pompeya

El proyecto, promovido por el Ministerio de Cultura de Italia y el Parque Arqueológico de Pompeya, fue diseñado por Studio Bellesi Giuntoli, con Paolo Mighetto supervisando la coordinación del proyecto. Cofinanciado por el programa PNRR del Ministerio, con un presupuesto de aproximadamente 870.000 euros y una inversión total de 8 millones de euros, la iniciativa se centra actualmente en completar su primera fase, financiada con 3,4 millones de euros.

Este ambicioso proyecto prevé transformar el paisaje que rodea las antiguas murallas de la ciudad de Pompeya. El sendero restaurado se extiende a lo largo de casi 4 kilómetros y conecta 11 zonas desde la Puerta del Anfiteatro hasta la Villa de Diomedes, incorporando áreas verdes y agrícolas que bordean el sitio arqueológico. 

Mejorando la accesibilidad y la sostenibilidad para los visitantes

El Anillo Verde tiene como objetivo redefinir cómo tanto los residentes como los turistas experimentan Pompeya. Al crear un parque lineal que redistribuya el flujo de visitantes, el proyecto aliviará la presión sobre el sitio arqueológico, salvaguardando y realzando los restos históricos a través de una restauración paisajística integrada.

El proyecto presenta dos circuitos: uno dentro de las murallas de la ciudad antigua y otro de acceso libre en el exterior, diseñado para fomentar la participación de la comunidad local. Se revivirán elementos icónicos del paisaje histórico de Pompeya, incluida la reintroducción de especies antiguas, como el ciprés, que servirá como hito visual.

Además, el plan incluye mejoras en la accesibilidad para personas con discapacidad, al tiempo que conecta las áreas verdes nuevas y existentes. A lo largo del sendero se crearán espacios públicos para el descanso, el juego y la contemplación, ofreciendo a los visitantes y residentes nuevas formas de interactuar con el patrimonio natural y cultural de Pompeya.

Conectando el pasado de Pompeya con su presente

A medida que el Anillo Verde rodea las necrópolis situadas fuera de las murallas de Pompeya, ofrece a los visitantes vistas panorámicas de los restos arqueológicos del monte Vesubio, la bahía y el paisaje rural circundante. Este proyecto representa la restauración del patrimonio natural de Pompeya y un enfoque vanguardista de la arquitectura paisajística, que combina la conservación cultural con la sostenibilidad ambiental.

El premio ASLA destaca el enfoque de diseño innovador y sensible de Studio Bellesi Giuntoli, que promete transformar la forma en que se experimenta este sitio histórico de fama mundial para las generaciones venideras.

Cada rincón del planeta ha saboreado el deleite de la pizza. Nacida de los humildes comienzos del pan plano, los tomates y el queso de Italia, fueron los inmigrantes italianos quienes llevaron este regalo culinario a Estados Unidos a principios del siglo XX. ¿El resultado? Una obsesión totalmente estadounidense por este manjar italiano.

Sin embargo, entre la miríada de tipos de pizza, una destaca con un toque real. Retrocedamos a 1889, Nápoles. La ciudad vibraba de emoción mientras la reina Margherita y su consorte recorrían sus bulliciosas calles. Atraídos por un aroma irresistible, se toparon con una pintoresca pizzería.

Cautivados, convocaron a Raffaele Esposito, el chef de la pizzería, al majestuoso Palacio de Capodimonte. Ansioso por impresionar, Esposito preparó tres pizzas diferentes. Sin embargo, una fue la sensación: reflejaba la bandera de Italia con tomates rojos, mozzarella blanca y albahaca verde. El paladar de la reina Margarita quedó conquistado. En su honor, esta delicia tricolor fue bautizada como “Pizza Margherita”.

Un relato tan encantador ha cautivado a turistas, entusiastas de la comida e historiadores. Pinta un cuadro vívido: una reina, encantada por el plato de una plebeya, y una pizza que encarna el fervor nacionalista.

Si bien partes del relato están arraigadas en la realidad, como el hecho de que Esposito fuera propietario de la pizzería acertadamente llamada “La Reina de Italia”, ciertos matices históricos añaden profundidad. A finales del siglo XIX, Italia se encontraba sumida en la agitación. Nápoles, recién liberada de sus lazos borbónicos, seguía lidiando con las exigencias del nuevo Reino de Italia. El rey Humberto I y la reina Margarita, con el objetivo de cerrar la brecha, vieron en la comida un poderoso emblema. Por lo tanto, una pizza, teñida con los colores de la nación y honrada por la preferencia de una reina, era mucho más que un simple plato.

Cocinando un mito

Pero, ¿fue esto solo un golpe culinario de la monarquía? Las narrativas populares sugieren que sí. Sin embargo, excavaciones recientes apuntan a lo contrario. Evidencias como un ensayo de 1853 que describe una pizza similar y discrepancias en la ‘carta real’ a Esposito desafían la creencia popular.

Parece que la trama se complica con Raffaele Esposito Brandi. Un apellido que no coincide apunta a la posibilidad de una falsificación. ¿Podría ser obra de los hermanos Brandi, los posteriores propietarios de la pizzería? Podrían haber tejido esta historia para impulsar su negocio. Después de todo, abundaban las narrativas de la realeza disfrutando de la comida callejera, incluso antes del supuesto episodio de la Margherita.

Hoy en día, la pizzería se mantiene en pie como “Pizzeria Brandi”, con sus paredes adornadas con una placa conmemorativa de 1989. La verdadera historia detrás de la pizza Margherita quizás siga envuelta en misterio, pero su atractivo es innegable.

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Retirando las capas de la lasaña, no se trata solo de los ingredientes o el método, sino de las personas que la saborean. La lasaña se erige como un testimonio del paladar siempre cambiante de la humanidad. Rastreando sus raíces hasta la Antigua Grecia, el laganon —considerado la pasta original hecha de tiras planas de masa— sentó las bases. A partir de ahí, los romanos elaboraron su propia versión, la lagane, que allanó el camino para la pátina de las lasañas de hoy. A pesar de sus vagos orígenes que involucran el vientre de una cerda y pescado, su viaje por todo el mundo vio innumerables transformaciones.

Hoy, la Accademia Italiana della Cucina, guardianes de los tesoros culinarios de Italia, celebra la lasaña como un sello distintivo de la cocina boloñesa: láminas de pasta al huevo con espinacas combinadas con un contundente ragú y cremosa bechamel. Pero el encanto de la lasaña radica en su versatilidad. Esto queda subrayado por libros de cocina enteros, como “Lasagna, A Baked Pasta Cookbook” de Anna Hezel y Los Editores de Taste, que no solo ofrecen innumerables versiones, sino que también destacan la distinción entre ‘lasagna’ (una sola lámina de pasta) y ‘lasagne’ (el plato hecho con muchas capas).

Incluso dentro de su ciudad natal, Emilia-Romaña, encontrarás variaciones en el querido ragú de Bolonia. Los matices en la mezcla de carnes, la elección de las grasas y el sofrito perfecto de cebolla, apio y zanahoria proporcionan un sabor único. El lento hervor del ragú —no menos de dos horas—, combinado con sutiles toques de nuez moscada en la bechamel y una generosa espolvoreada de Parmigiano-Reggiano, lo hacen único.

Sin embargo, no todos los platos de lasaña se elaboran con tanta devoción. Lamentablemente, algunas interpretaciones, especialmente en el Reino Unido, se han alejado mucho de su sabor y textura auténticos. Tropiezos como la pasta pasada de cocción y el ragú aguado son comunes, pero nada supera a los experimentos inusuales como la lasaña de pollo tikka o incluso un sándwich de lasaña.

Sin embargo, cuando se hace bien, la lasaña se mantiene firme con las capas perfectamente intactas, recordando la delicada finura de un milhojas. Su textura sediza y sus sabores reconfortantes la convierten en el plato de consuelo por excelencia. Es un testimonio de su estatus que durante el confinamiento de 2020, las láminas de lasaña se convirtieran en compras esenciales para muchos.

El arte de hacer lasaña, sin embargo, es una labor de amor. Desde las láminas de pasta casera hasta la paciencia de las salsas cocinadas a fuego lento, es un oficio. Chefs legendarios como Massimo Bottura rinden homenaje a este arte, celebrando elementos como los tan apreciados bordes crujientes en platos como “La parte crujiente de la lasaña”.”

Más allá de Bolonia, otras regiones de Italia han añadido su toque único, desde versiones con infusión de trufa en Las Marcas hasta el crujido musical de la versión de pane carasau de Cerdeña. La versatilidad de la lasaña abarca variantes de temporada y vegetarianas, como la lasaña genovesa a base de pesto o versiones con calabaza asada y lentejas.

Las láminas de lasaña sin huevo ponen de manifiesto una vez más su adaptabilidad. Elaboradas principalmente en el sur de Italia, estas láminas se mantienen firmes y contribuyen a la forma icónica del plato. Y aunque prepararlas desde cero, posiblemente con un toque de verduras como ortigas, puede ser un deleite, las versiones compradas en el tiendan tienen su lugar en nuestras ajetreadas vidas.

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En esencia, la lasaña es un plato que ha tejido su historia a través del tiempo y las regiones. Es más que simple comida: es una narrativa de evolución, amor y tradición. Así pues, por la lasaña: que sigamos disfrutando de sus múltiples formas y sabores. ¡Buen provecho!

El Cristo Velado de Nápoles es una de las esculturas más famosas del mundo. La estatua, que representa a Jesús cubierto por un largo velo, fue creada por el escultor napolitano Giuseppe Sanmartino en 1753. Desde entonces, se ha convertido en un símbolo de fe, devoción y esperanza para muchos de los que visitan la iglesia del Museo de la Capilla Sansevero en Nápoles, Italia.

La historia del Cristo Velado comienza con la noble familia de Sansevero y su mecenazgo de las artes desde el siglo XVI hasta la actualidad. El primer mecenas fue Raimondo di Sangro, príncipe de Sansevero, quien encargó muchas obras en su vida, incluido el Cristo Velado. La estatua fue hecha con polvo de mármol y pegamento y tardó dos años en completarse. Sin embargo, su pura belleza y gracia no tienen rival con ninguna otra obra de arte.

La leyenda dice que tras la muerte de Raimondo, una figura misteriosa apareció en la Capilla Sansevero y colocó un velo sobre la escultura. Desde entonces, se le conoce como el Cristo Velado. Se dice que esta historia ha inspirado tanto a creyentes religiosos como a no creyentes, quienes han hecho peregrinaciones a Nápoles para ver esta extraordinaria obra de arte.

El Cristo Velado está abierto todos los días de 9:00 a. m. a 7:00 p. m. con un horario extendido durante los meses de verano (de mayo a septiembre). La entrada es gratuita, pero se agradecen las donaciones para ayudar a mantener estos monumentos históricos. 

Los visitantes también deben tener en cuenta que existe un código de vestimenta estricto al visitar este lugar sagrado: no se permiten pantalones cortos ni camisas sin mangas dentro de la capilla. Además, los visitantes deben ser respetuosos y mantener la voz baja por respeto a quienes oran o meditan frente a la estatua. 

Aparte de su belleza artística, algunos datos interesantes sobre esta escultura fascinan a visitantes de todo el mundo, como su increíble peso (casi tres toneladas) o su gran detalle (hecha sin usar ninguna herramienta). 

El Cristo Velado sigue atrayendo a visitantes de todo el mundo que buscan una experiencia espiritual o simplemente admiran su belleza; ¡definitivamente vale la pena visitarlo si alguna vez estás en Nápoles!

¿Quién esculpió el Cristo velado?

El Cristo velado es una escultura de mármol creada por el artista italiano Giuseppe Sanmartino en 1753. Es una estatua de tamaño natural de Jesucristo con su sudario de entierro. Se dice que la figura es tan realista que parece como si el velo estuviera cubriendo un cuerpo real.

La obra fue encargada por el virrey español de Nápoles, Fernando Ruiz de Castro, para la capilla de Sansevero en Nápoles. Se ha convertido en una de las esculturas más famosas del periodo barroco napolitano. Todavía hoy se encuentra expuesta en la capilla. 

Giuseppe Sanmartino nació en el seno de una familia de canteros y escultores en 1720. Se formó con algunos de los escultores más influyentes de Italia, como Francesco Solimena y Ferdinando Fuga. Además de crear otras esculturas, también trabajó en proyectos de restauración a lo largo de su vida. 

El Cristo velado de Sanmartino es ampliamente considerado como su obra maestra. Utilizó un solo bloque de mármol de Carrara para crear esta figura realista cubierta con un velo continuo que da la impresión de que fue drapeado sobre un cuerpo real. La escultura se completó después de tres años de arduo trabajo y todavía se considera uno de los ejemplos más magistrales de la escultura en mármol del siglo XVIII. 

El Cristo Velado ha sido alabado por su realismo y atención al detalle. Se cree que Sanmartino utilizó un modelo vivo como referencia durante el proceso de creación, lo que puede explicar por qué esta obra parece tan realista incluso hoy en día. 

Muchos historiadores del arte han estudiado la obra de Sanmartino. Han elogiado su capacidad para capturar la emoción y el realismo a través de sus esculturas. Su Cristo Velado sigue cautivando a espectadores de todo el mundo, convirtiéndolo en una de sus obras más icónicas y en un ejemplo del arte barroco napolitano en su máxima expresión.

¿De qué está hecho el Cristo Velado?

El Cristo velado es una escultura de mármol creada por el escultor italiano Giuseppe Sanmartino en 1753. Está considerada ampliamente como una de las esculturas más bellas y perfectas. La pieza está hecha de un solo bloque de mármol de Carrara extraído en la Toscana, Italia.

La figura de Cristo está envuelta en un velo blanco que cubre todo su cuerpo excepto el rostro. Sus rasgos faciales son muy expresivos y transmiten una intensa emoción de sufrimiento. El manto ha sido drapeado cuidadosamente para crear una impresión de movimiento y gracia característica del periodo rococó en el que fue realizado.

La escultura mide casi cinco pies de alto y pesa aproximadamente 1,700 libras. Su cuerpo está levemente curvado, con los brazos extendidos y la cabeza inclinada un tanto hacia el cielo. Los pliegues de la ropa aumentan la sensación de movimiento y gracia al crear una curva amplia alrededor del cuerpo de la figura y descender en cascada hasta sus pies.

El Cristo Velado es una obra maestra no solo por su virtuosismo técnico, sino también por su poder emocional. Su belleza radica en su sutileza y en el delicado juego entre la luz y la sombra sobre la superficie de mármol. El hábil uso de la luz, la sombra y la textura por parte de Sanmartino crea una ilusión de profundidad y da vida a lo que de otro modo sería meramente un bloque de piedra.